Ziel ist es, in diesem Kurs einen möglichst guten Überblick über sämtliche Bereiche und Möglichkeiten des Themas „audio-visuelle Medien“ zu vermitteln. Die zentralen Fragen sind also: Was sind eigentlich audio-visuelle Medien, was zeichnet sie aus? Wozu benutzen wir sie? Was benötigen wir als Handwerkszeug, um sie von der Aufzeichnung oder Erstellung bis zur Endfertigung zu produzieren?

Audio-visuelle Medien sind zum Beispiel Fotografien, computergenerierte Bilder, Film und Video, Animationen bis hin zu Online-Erklärvideos. In diesem Kurs wird besonderes Augenmerk auf die Zusammenhänge und die aktuellen Einsatzmöglichkeiten audio-visueller Medien gelegt. Abschließend werden noch Aufwand und Kostenkalkulation beleuchtet.

1. Einführung in das Thema audio-visuelle Medien
   1. Begriffsdefinition und Ursprung audio-visueller Medien
   2. Der audio-visuelle Workflow
   3. Die Vorproduktion
   4. Die Produktion
   5. Die Postproduktion
2. Technische Grundlagen der Film- und Fotoproduktion
   1. Aufnahmeformate Film und Foto
   2. Medienformate Film und Foto
   3. Motivgestaltung
   4. Licht und Atmosphäre
   5. Fotogrammmetrie – 3D Gaussian Splatting
   6. CGI/Animation
3. Grundlagen der Postproduktion
   1. Farbmanagement Foto und Video
   2. Foto-RAW-Entwicklung
   3. Film Grading
   4. Bildbearbeitung und Compositing
   5. Bild-/Ton-Schnitt
4. Ton in audio-visuellen Medien
   1. Mikrofontechnik
   2. Grundlagen der Tonaufnahme
   3. Sound Design: Wirkung und Nutzen
   4. Diegese und Meta-Diegese im Kontext audiovisueller Medien
   5. Postproduktion von Ton
5. Marketing für audio-visuelle Medien
   1. Grundlagen des Video-Marketings
   2. Zielgruppenanalyse und zielgerichtete Ansprache
   3. Entwicklung einer Videomarketing-Strategie
   4. Erfolgsmessung und Analyse von Videokampagnen

1. Einführung ins World Design
   1. Design einer Spielewelt
   2. Die Geschichte virtueller Welten
   3. Organisches World Design
2. Plot Development
   1. Was ist ein Plot in einer interaktiven Umgebung?
   2. Storytelling und Immersion
   3. Vom Plot zum Character
3. Character Development
   1. Design glaubhafter Characters
   2. Entwicklung der Backstory von Charakteren
   3. Dynamik zwischen Spieler:in, Autor:in und Character
   4. Character Building & Leveling in Games
4. World Building
   1. Vom Plot zum World Building
   2. Attribute einer Spielewelt
   3. Kohärenz und Konsistenz
5. Narration, Genres und Level Design
   1. Narrative Herausforderungen durch Genres
   2. Genre und Level Design
   3. Narration und Level Design
6. Herausforderungen des World Designs im Team
   1. Praktische Ansätze zur Zusammenarbeit
   2. Skalierung

1. Game-Art-Grundlagen: Terminologie, Designprinzipien, Darstellungsästhetik
   1. Was ist Game Art? Der Designbegriff und eine kurze Historie
   2. Aufgaben und Spezialisierungen im Bereich Game Art
   3. Terminologie der Game Art
   4. Die visuelle Grammatik und Gestaltungselemente
   5. Die menschliche Wahrnehmung: Gestaltgesetze und Designprinzipien
   6. Die visuelle Darstellungsästhetik
2. Vorproduktion, Visual Concept, Visual Thinking
   1. Vorproduktion: das Briefing und das Game-Design-Dokument (GDD)
   2. Grundlagen eines begründeten Art-Stils: Recherche, Mitbewerberanalyse und User Research
   3. Das Visual Concept als Teil des GDD: Look und Feel eines Spiels
   4. Visual Thinking: Kreativitäts- und Inspirationsmethoden
   5. Variation und Komposition: Entwurfsmethoden
   6. Synthese: Das Model Sheet oder Design Sheet
3. Produktion: 2D Game Art
   1. Unterschiede Illustrator und Concept Artist
   2. 2D-Game-Art-Stile
   3. Produktion von 2D Game Art
   4. Software und Apps
   5. Animation eines 2D Game Assets
   6. UI und HUD
4. Produktion: 3D Game Art
   1. Produktion von 3D Game Art
   2. Software und Struktur
   3. Modeling: Grundprinzipien
   4. Asset Design für Game Engines
   5. Texturierung und Optimierung
5. Texturen und Materialien
   1. Texture Maps und deren Funktionen
   2. UV-Mapping und -Abwicklung
   3. Vertex Painting und handgemalte Texturen
   4. Shader, Shader-Graph und Node-based Materials
6. 3D-Rigging und Animation
   1. Software
   2. Rigging und Skinning
   3. Key Animations
   4. Motion Capturing
   5. Die 12 Prinzipien der Animation
7. Integration in eine Game Engine
   1. Export
   2. Import
   3. Animationssystem
8. VFX und Lightning
   1. Partikeleffekte und Materialeffekte
   2. Lichtquellen und deren Verwendung
9. Workflow und Asset-Pipeline am Beispiel 3D-Character-Art
   1. Concept und Referenzen
   2. 3D-Modellierung
   3. Texturerstellung
   4. Integration

• Kursinhalt ist das selbstständige Erlernen einer Engine (Godot, Unity, Unreal) mit visuellem Coding. Dazu gehören auch die Verwaltung der Assets des Projekts in der Engine, das Designen eines Levels mit einem Tool wie Tiled (mapeditor.org) oder auch die Steuerung kleiner Autos oder eines Charakters in 2D inklusive des Aufsammelns von Bonusgegenständen. Für den Kurs werden Inhalte von Kenney (kenney.nl) verwendet, die unter einer Creative-Commons-Lizenz freigegeben sind.

1. Geschichte des Spiels
   1. Klassische Regelspiele
   2. Videospiele
2. Game Designer als Beruf
   1. Fähigkeiten
   2. Rolle
   3. Team
   4. Prozesse der Spieleentwicklung
   5. Bekannte Game Designer und ihre Werke
3. Entwickeln der Spielidee
   1. Innovation und Inspiration
   2. Methoden der Ideenfindung
4. Emotion und Motivation
   1. Emotionen - Was ist Spaß?
   2. Genre und Zielgruppe
5. Spielerlebnis / Experience
   1. Setting und Storytelling
   2. User Experience / Look & Feel
6. Regeln und Mechaniken
   1. Gameplay Modes
   2. Struktur des Spiels
   3. Spielmechanik
7. Business und Vermarktung
   1. Monetization
   2. Marketing
   3. Community

Storytelling – oder Geschichtenerzählen – ist eine journalistische Erzähltechnik und ein professionelles Instrument der Öffentlichkeitsarbeit. Der Schwerpunkt des Kurses liegt auf der Vermittlung der theoretischen Grundlagen und der historischen Herleitung des Storytellings. Flankiert werden diese Inhalte auf wissenschaftlicher Ebene durch die Inhalte der Narrativitätstheorien und -forschung. Vor diesem Hintergrund sollen die Studierenden die inhaltlichen Schemata des „Geschichtenerzählens“ abstrahieren und analysieren, um sich schließlich selbst diese Methodik anzueignen und anwenden zu können.

Beispielhaft werden daher auch die Einsatzfelder des Storytellings in der Medienindustrie und weiteren Bereichen dargelegt. Somit sollen die Studierenden inspiriert, animiert und befähigt werden, selbst in der (späteren) Berufspraxis auf diese Muster und Strukturen bei der Content-Erstellung zurückgreifen zu können. Darüber hinaus sollen ihnen spannende Forschungsfelder aufgezeigt werden, die in der wissenschaftlichen Praxis aktuell Raum zu Forschungsaktivitäten bieten.

Anschließend wird den Studierenden elementares Wissen mit Blick auf Theorie und Praxis des auditiven, visuellen und audiovisuellen Storytellings vermittelt, so dass sie befähigt werden sollen, diese Elemente miteinander in Verbindung zu setzen, um hochwertigen und ansprechenden Mediencontent zu produzieren.

1. Einführung und Grundlagen
   1. Begriffsdefinition und Gegenstand
   2. Historischer Ursprung in der griechischen Mythologie
   3. Narrativitätsforschung und -theorien
2. Meilensteine des Storytellings
   1. Forschung und Werk Joseph Campbells
   2. Adaption für die Praxis durch Christopher Vogler
   3. Realisation durch George Lucas
3. Audiovisuelles Storytelling
   1. Einführungen und Definitionen
   2. Visuelles Storytelling: Von der Höhlenmalerei zum Verkehrsschild
   3. Audiovisuelle Umsetzung
4. Symbiose von auditivem, visuellem und inhaltlichem Storytelling
   1. Einsatzfelder und Methoden: Elemente der Bildgestaltung und der Akustik
   2. Instrumente und Methoden – crossmediales Erzählen
   3. Trends und Entwicklungen – im Fokus der Digitalisierung
5. Digital Storytelling
   1. Internationale Blockbuster und TV-Formate
   2. Public Relations und Unternehmenskommunikation
   3. Marketing und Werbung

1. Einführung und Grundlagen
   1. Begriffsdefinitionen
   2. Die Rolle des Spiels und des Spielens
2. Geschichte der Game Studies
   1. „klassische“, grundlegende Theorien des Spiels und des Spielens
   2. „moderne“ Theorien des Spiels und des Spielens im digitalen Zeitalter
   3. Diskussion des Schismas: „Narratologie vs. Ludologie“
3. Game Research: Theorien und Methoden
   1. Einführungen, Fachbegriffe und Definitionen
   2. Quantitative, qualitative und holistische Ansätze und Methoden der Spielforschung
   3. Ansätze zum Verständnis der ökonomischen und systemischen Grundlagen der Spielindustrie
   4. Ansätze zum Verständnis des Spiels als Artefakt
   5. Ansätze zum Verständnis des Spielers, seiner Motivation, seines Spielerlebens, seines Vergnügens und seiner Eingebundenheit in Communities
4. Forschungskonzeption
   1. Bewertung und Auswahl der passenden Theorien und Methoden nach Erkenntnisinteresse und Forschungsfrage
   2. Forschungsdesign und Durchführung von Untersuchungen
   3. Instrumente zur Entwicklung eigener Ansätze
5. Game Studies als Methode der Spielanalyse und der Spielentwicklung
   1. Diskussion
   2. Fazit und Ausblick

1. Grundprinzipien des Balancings
   1. Komplexitätsreduktion
   2. Festlegung zentraler Gameplay-Ressourcen
   3. Priorisierung und Kaskadierung
2. Zufall
   1. Gründe für Einsatz von Zufallselementen
   2. Zufall aus Spielersicht
   3. Zufall und Pseudozufall
   4. Berechenbarkeit und Kontrolle von Zufallseffekten
3. Symmetrische vs. asymmetrische Spiele
   1. Symmetrische Ausgangssituationen in Multiplayer-Spielen
   2. Überwinden von Asymmetrien und Methoden der Symmetrisierung
4. Fairness: Theoretische Betrachtungen
   1. Muss ein Spiel fair sein?
   2. Der spielerische Wert schlechter Wahlmöglichkeiten
   3. Transitivität
   4. Metriken und Prinzipien für die Entwicklung von goodfeeling Games
   5. Bewertungsmatrizen
   6. Dominante und praxisdominante Strategien
5. Fairness: Praxisbezogene Wege
   1. Spieletests
   2. Erstellung einer Simulation
   3. Tabellenkalkulationstools sind Ihre Freunde!
   4. Beispiel: Erstellung von Kostenkurven
   5. Beispiel: Vergleich von Waffen
6. Schwierigkeit
   1. Ursachen dafür, dass Spiele als schwer empfunden werden
   2. Operationalisierung
7. Spielprogression
   1. Erstellung eines Progressions-Spreadsheets
   2. Power-Progression vs. Threat-Progression
8. Game Feel
   1. Definition und Komponenten von Game Feel
   2. Metriken und Prinzipien für die Entwicklung von goodfeeling Games